Mashups, de infringir copyrights a activos rentables para la industria de la música

Los mashups han dejado de ser perseguidos por la industria de la música porque generan en algunos casos más beneficios que los videoclips oficiales. YouTube y las productoras entienden que los vídeos generados por los usuarios o UGC son activos muy rentables en el nuevo modelo de negocio de la cultura participativa. Es una alternativa más a la monetización de los vídeos musicales.

Baku Morikuni, jefe del Media Lifecycle Service de Sony, afirmó ayer en las jornadas Bit Experience sobre tecnología audiovisual que las discográficas están ganando más dinero, en el caso de algunos artistas, con los mashups y vídeos generados por los usuarios que con los videoclips oficiales. Para Morikuni estos vídeos son activos capaces de aportar una rentabilidad, así que hay que saber cómo moverlos en la Red.

Baku Morikuni, General Manager Media Lifecycle Servie de Sony en Bit Experience

Las declaraciones de Morikuni están en consonancia con la federación internacional de discográficas (IFPI), que en su informe sobre la música digital de 2014 ya exponía algunos de los ejemplos que habían ayudado a los artistas a ganar dinero a través de los mashups. Entre ellos destaca la reacción del capitán Kirk de Star Trek a la polémica actuación de Miley Cyrus de la MTV Music Videos Awards.

¿Cómo monetizan las discográficas los mashups? A través del Google Content ID, es decir, un sistema que identifica la canción que está sonando en el vídeo no original y que posibilita a las discográficas reclamar los derechos de la canción a YouTube. Cuando comenzaron a proliferar los mashups, las discográficas persiguieron estos contenidos para eliminarlos porque infringían los derechos discográficos. Sin embargo, tanto YouTube como las productoras se han dado cuenta que estos vídeos atraen audiencia que se puede traducir en anunciantes y por lo tanto, tal y como explica Morikuni, se convierten en activos de alta rentabilidad. 

Lo cierto es que, además de la identificación, el canal del mashups también muestra un link directo para que se pueda comprar la canción en diferentes plataformas. Pero lo más importante, la utilización de la canción en un mashups funciona como musicidad, porque a la vez que suena la música se convierte en la propia publicidad de la canción insertada. Los vídeos generados por los usuarios o UGC multiplican los canales de difusión de la canción y eso significa más formas de monetizar el vídeo.

Miss Dior, feminismo y la conquista de lo cool a través de Janis Joplin

Dior vuelve intentar la conquista de lo cool a través del rock y la contracultura. La batalla está ganada porque las bandas necesitan promoción y llegar a nuevas audiencias a través de estrategias musicitarias. En 2013 la marca de lujo sincronizó el "Whole Lotta Love" de Led Zeppelin y ahora contraataca con la épica "Piece of My Heart” de Janis Joplin. Dos iconos de la contracultura cooptados por una marca de lujo que busca absorber así los significados de una rebelión que ha sucumbido al consumismo. Esto es un suma y sigue: Bob Dylan no hace mucho nos presentaba un banco (ING Direct) antistablishment con su "People in progress".

El anuncio de Miss Dior se fundamenta en el espíritu romántico de ir contra las normas, como la contracultura. Natalie Portman deja plantado a su novio en la puerta del altar para ser rescatada por otro romántico hombre en un helicóptero (parece que nos sabemos estar solas y un helicóptero suena demasiado a Grey). Anton Corbjin, director de anuncio, explicó en People que la canción de Janis Joplin aporta el argumento feminista. Sin embargo, es preocupante que el matrimonio se utilice para escenificar la falta de libertad para la pareja y que la salvación de la joven dependa del rescate de otro hombre. Esto no cuadra. El problema es que detrás de este anuncio hay una marca cuyo naming es "Miss", tratamiento machista que no se da en los hombres, se casen o no. Así, el argumento feminista no se sostiene. Un cambio feminista que podría hacer Dior es actualizar el nombre de su marca de "Miss" a "Ms Dior", un tratamiento consensuado que no hace referencia al estado civil de la mujer. En cualquier caso, valga la desmitificación de la boda como aspiración exclusivamente femenina, aunque en este spot no tiene mucho sentido. 

Tanto el tema de Led Zeppelin como el de Janis Joplin son fonogramas originales. La licencia de estas obras puede oscilar entre los 50 y 140 mil euros. Esto demuestra que los anuncios son una fuente de ingresos y una plataforma de difusión para bandas consolidadas ahora que no pueden sonar ni en la radio (salvo en Rock Fm) ni en la MTV.

La marca ha confiado sus últimos trabajos a reconocidos directores de videoclips, como Romain Gavras, quien dirigió el anuncio de Louis Vuitton (con el tema “I’d Rather Be High” versión veneciana de David Bowie) y el “Whole Lotta Love” para Dior con Rob Pattinson. Los anuncios son mucho más sofisticados y menos revolucionarios que sus clips para M.I.A, por ejemplo. 

En esta ocasión, Anton Corbijn (Nirvana, U2, Depeche Mode, Arcade Fire…) es el encargado de convertir el anuncio en un artefacto cool. Otro tema es que lo consiga, porque el tema de Janis Joplin apenas se sostiene. La elección de reconocidos directores de videoclips también forma parte de la estrategia de convertir al anuncio en un producto cultural por derecho propio, una especie de co-branding director-marca que ayuda a expandir la simbología cool de los productos. 

El éxito del videoclip musicitario "I Won't Let You Down” de OK Go y Honda vuelve a surgir de una coreografía y un plano secuencia

¿Por qué ha gustado tanto el spot? El clip comienza con un guiño intertextual que absorbe los significados de “Here it goes again”, el vídeo musical con el que ganaron el Grammy en 2007 bailando en cuatro máquinas de correr. En “I Won't Let You Down” han unido lo que mejor saben hacer: coreografía y plano secuencia, esta vez de gran presupuesto y gran complejidad. Un ritmo funky con reminiscencias setenteras convierten este videoclip en un contenido eufórico y motivador que acaba en silencio, con un giro de cámara que muestra durante más de un minuto las vistas aéreas de la zona.

El nuevo videoclip de OK Go “I Won't Let You Down” es un anuncio, o mejor dicho, es un videoclip musicitario: Honda promociona su UNI-CUB β y OK Go su nuevo disco. Y así, sin molestar, OK Go y Honda han conectado y emocionado a más de 7 millones de usuarios en solo tres días volviendo al punto de partida: bailar en un plano secuencia.

OK Go atrae a las marcas porque son garantía de viralidad y de creatividad. Dicen los músicos de OK Go que no se limitan a componer canciones para posteriormente producir videoclips, sino que crean artefactos audiovisuales que nada tienen que ver con el pasado de la industria de la música. Las marcas son partners, están pero no molestan y ayudan a la difusión del contenido apropiándose de los valores de la banda. Las marcas no siempre se comportan así, suelen imponer sus productos en los clips, como ocurre en el videoclip musicitario de "Papi" de Jennifer Lopez.

Honda no solo aparece a través de la integración UNI-CUB β, sus colores corporativos, el rojo y el blanco, predominan en las faldas y en las camisas de las bailarinas. Los paraguas, salvo los del final, también son rojos y blancos. No hay discográfica detrás de este videoclip. OK Go y la agencia creativa Mori  firman este videoclip musicitario producido en Japón en el cual músicos y bailarinas montan estos curiosos monociclos de Honda. 

La sencillez y el éxito de “Here it goes again” condicionó el siguiente clip de OK Go “This Too Shall Pass”, para el cual construyeron una máquina de Rube Goldberg. El videoclip “This Too Shall Pass” fue creado en 2010 y en septiembre de 2014 se aproximaba a los 45 millones de visitas. OK Go demostraban así su capacidad para crear vídeos musicales y viralizarlos. OK Go quiso realizar el “más difícil todavía” para su tema “Needing/getting” y encontró en el modelo Sonic de Chevrolet al productor de su videoclip. Chevrolet decidió planificarlo en una versión spot de 20 segundos en la retransmisión de la Super Bowl de 2012. Ahora se vuelven a superar con este plano secuencia de “I Won't Let You Down” creado conjuntamente con Honda.

“I Won't Let You Down” es un videoclip que rompe expectativas visuales, sin embargo, y como #changemarketer, echo de más a tanta bailarina y echo de menos a bailarines que suavicen el estereotipo de la falda y la colegiala, como hizo Michel Gondry para la versión que Gary Jules realizó de "Mad World", una canción de Tears For Fears.

El futuro de la industria de la música del #muwomlab obtiene sobresaliente en industria pero necesita mejorar en música

Foals en el Royal Albert Hall (London, 2013)

La industria de la música se mueve. De eso no hay duda y así se demostró ayer en el #muwomlab, un encuentro organizado impecablemente por Muwom en el Espacio de la Fundación Telefónica. Durante una mañana diferentes start up presentaron las propuestas que están desarrollando en la industria de la música. Resumiría la jornada con estas palabras clave que definen hoy el sector: smartphone (streaming, apps, distribución digital) crowdfunding, retransmisión de conciertos, social media y #musicidad. Salí muy motivada para seguir con mi tesis porque se habló mucho más de industria que de música. Ojalá que en futuras ediciones abran una puerta a la investigación sobre la música.

Tras siete años trabajando en la industria (Fnac) y cinco en la investigación de la industria y la música (UA) observo que los musicólogos han dedicado mucha literatura a la investigación de la industria, mientras que ésta desconoce la ayuda que la investigación puede ofrecer al presente y futuro de la música. Entre tanta Start-up, Spotify, Deezer, Ticketmaster,... eché de menos, entre otras cuestiones, una reflexión y un análisis sobre los significados de la música, sobre los géneros musicales y las comunidades que se generan a través de ellos. 

Si bien es cierto que la jornada fue acertada para conectar agentes de la industria, considero que el futuro de la música debe construirse entre industria, músicos, sociólogos y musicólogos, personas que desde un punto analítico y crítico aporten una visión reflexiva del sector. Este es uno de los objetivos de mi tesis que investiga la relación entre marcas y música. Espero alcanzarlo.

Por último, me entristece pensar que, con la necesidad que tiene este país de creación de empleo, se ignore esta industria como un sector productivo que merezca inversión publica o privada tanto en creación como investigación. Felicito por ello a los organizadores, por la iniciativa y el tesón de luchar por la industria de la música independientemente de la situación económica. 

La actualidad del evento fue recogida, entre otros, por Darío Manrique en El País.

Pagar por lo que es gratis: la publicidad y el agua de Evian en "Baby and me"

Como dice el YouTube star del humor Nigahiga, si quieres que un vídeo sea viral que no se te olvide poner la palabra Baby, o pregúntale a Evian. La marca francesa lanzó el 23 de abril "Baby and me" y ya lleva más de 45 millones de reproducciones. Un ejemplo más de musicidad, de branded content transmediático en donde la música es la protagonista y en donde el contenido se expande a través de redes sociales, en las que los usuarios pueden seguir generando contenido en redes sociales.

La campaña te ofrece la oportunidad de comprar la versión del spot de Yusek en iTunes  al módico precio de 1,29 euros, para que puedas disfrutar pagando por lo que es gratis: el consumo de publicidad y el agua potable. Estaría bien conocer cómo han medido la eficacia de la campaña "Baby and me", porque entiendo que en el retorno de la inversión también tendrá su apartado las ventas generadas en iTunes, Google Play, Spotify,... de la canción. Así cuando escuches la canción, recordarás la simpatía de los niños, y por ende la marca. Evian vende algo más que botellas de agua, una inyección simbólica para los que tienen que alimentar bebes y para los que no quieren peder el niño que todos llevamos dentro. Pero ya lo dice una máxima de la semiótica, la marca no es dueña del significado de la campaña, y en mi opinión, aquí pecan de escasa creatividad, no porque los niños no sean efectivos y divertidos, sino porque llevan 15 años haciendo lo mismo. 

Ahora, ya que han realizado un campaña musicitaria, a través de un videoclip, sin product placement y sin retórica verbal, podían haberle echado algo más imaginación y haber creado un clip de verdad, con los tres minutos que dura la canción, con algo más de narrativa audiovisual. Y además, podían haber sido menos pretenciosos y haber firmado la versión con el nombre de Yusek, y no con Evian-Yusek. Si la marca quiere convertirse en cultura, tal y como hizo San Miguel, debería ser menos protagonista en la autoría de la música.

El contenido transmediático 
Siguiendo  aplicación para iPhone, Android y Facebook. Con esta aplicación, desarrollada por B-Reel, los usuarios pueden subir sus propias fotografías, obtener versiones “bebé” de sí mismos y compartirlas con sus amigos en Facebook.

La campaña (y el intertexto)
Los bebés, tal y como documenta Marketing Directo,  siempre le han funcionado bien a Evian: triunfaron en Cannes Lions y consiguieron el récord en el spot online más visto de la historia con los niños patinadores. “Waterbabies” (1998) y “Rollerbabies” (2008) y “Baby Inside” ( 2011) son sus antecedentes, metatextos que activan el recuerdo y la notoriedad de la marca.  La agencia parisina BETC ha creado este nuevo video clip con una versión de la canción “Here Comes the Hotstepper”, de reggae Ini Kamoze, que alcanzó los puesto más altos de los superventas gracias a la sincronización de la canción en la película Pret a Porter. Pero todavía hay más intertexto, el estribillo de esta canción surge de este divertido tema (arriba) "Land of 1000 dances", que llegó a número uno en 1995 como cover del original de Chris Kenner.

El valor simbólico de una firma de discos y su relación con las marcas: Suede en Rough Trade

Hace unos días asistí ana actuación y firma de discos de Suede en la tienda de discos Rough Trade de East Lodon. Después de trabajar siete años en Fnac comprobé que esta estrategia sigue siendo infalible para vender discos. No es normal que las bandas consagradas desciendan de los cielos. Ver a Suede, uno de los bastiones del Brit Pop de los noventa, de nuevo en harina y luchando contra el olvido me invitó a reflexionar.

Los singles, los vinilos y los CD's no desaparecerán aunque su contenido lo podamos encontrar gratis en Internet. Quizá sirva este razonamiento semiótico: en ocasiones no compramos cosas que necesitamos, más bien las adquirimos por lo que significan, por su valor simbólico, porque nos transportan a nuestro estilo de vida ideal. Para muchos melómanos, el contacto con el disco sigue siendo espiritual y en esta tienda de discos la liturgia sigue viva. 

No fue solo una firma de discos, fue un regalo para los fans. Durante 45 minutos tocaron temas nuevos y sus grandes éxitos. A pesar de sus idas y venidas, Suede lleva 24 años en la escena musical y la nostalgia atrajo a muchos de sus eternos y maduros fans. Tras la actuación, todos los fans disfrutaron del minuto de gloria con sus ídolos: confesión, amor y pose para Instagram. 

Una vez más fui testigo de por qué las marcas quieren tener fans, ser como Suede (y Suede ser como las marcas) y así:

- Ofrecer experiencia emocional: Un disco de Suede suena igual firmado o no, pero el contacto físico con tu ídolo es una vivencia difícil de explicar, es un fan fidelizado. Y en estas andan las marcas, detrás de convertirse en experiencia para evitar ser rechazadas. 

- Demostrar su humildad: Después alcanzar lo más alto en los noventa bajan de los cielos para conversar con sus apóstoles. Justo esto es lo que buscan muchas marcas, conversar con sus targets, humanizarse para merecer la amistad de sus consumidores (de su producto, o de su imagen). Quieren tocar, palpar y dejarse acariciar.

En cuanto a Suede, siguen en perfecto estado, físicamente han madurado bien, como los buenos vinos. Tuve la suerte de disfrutar de un directo muy especial el pasado Low Cost Festival pero he de confesar que me gustaron más en las distancias cortas, aunque como dice Eduardo Viñuela, no se puede subestimar el paratexto y Londres te invita a soñar, a pesar de la soledad. 

Black XS Paco Rabanne y Guitar Hero apuestan por estrategias musicitarias para conectar con los fans o aspirantes a Rock Stars

"Un elixir misterioso para una princesa rebelde", así define Paco Rabanne su perfume Black XS para mujer. Sin embargo, la fragancia masculina de Black XS es para "hombres duros de corazón Tierno". ¿Pero acaso no son estas las cualidades de una rock star? Si quieres sentirte como una verdadera rock star no te pierdas la Rock Academy de Black XS de Paco Rabanne. Sólo con ver el spot nos damos cuenta que Black XS se trasforma en música para llegar a su público objetivo.



Pero analicemos la estrategia musicitaria. Paco Rabanne y  Guitar Hero han organizado en diciembre la tercera edición de su Rock Academy con la participación de la banda Sicecars como embajadores. Se trata de una gira y una escuela en donde los profesores son bandas recocidas del panorama musical nacional. En ediciones anteriores participaron Zentric y Delorean. De este modo, tanto Paco Rabanne como Guitar Hero consiguen asociarse a las emociones que consiguen trasmitir las rock stars. No son bandas que hayan triunfado en las grandes listas de éxitos, pero si son grupos con un número importante y fiel de fans que siguen cada paso que dan, y eso les asegura a estas marcas un retorno de la inversión. Pero además, tal y como está el panorama musical para salir en los medios de comunicación, los músicos también se aprovenchan de estas estrategias musicitarias de promoción para ampliar sus fans y vender algún que otro disco, merchandising  o entradas para sus conciertos.  Como ejemplo valga este vídeo:






Paco Rabanne es una marca que aplica estrategias musicitaria en sus camapañas publicitarias. No sólo pretende que su perfume llegue a su público objetivo, sino que además crea contenidos culturales con bandas de referencia del panorama nacional a través de su Rock Academy. Sus campañas combinan la música con la interpretación a través del videojuego Guitar Hero. Perfume y vídeo juego rinden pleitesia al rey de los géneros musicales: el rock. Del análisis de esta campaña deduzco que si quieres ser un rock star no solamente debes tener conocimientos de música y tocar perfectamente un instrumento, sino que, además, debes tener actitud, y esto es algo que quizá consigas con unas gotitas de Black XS... como dice la marca: "mezcla tu carácter rockero con la fragacia Black XS Paco Rabanne y verás como triunfas más que el rey del rock".

Activision, la distribuidora de Guitat Hero, también aplica estrategias musicitarias ya que  existe una fusión evidente entre vídeo juego y música. Guitar Hero es un juego de similucación que te convierte en una estrella del rock que ha encontrado en la grandes bandas de rock la fórmula del éxito para vender vídeojuegos y descargas de canciones que amplían el juego. De estas estrategias también se están han beneficiando los músicos, porque la inclusión de un tema en el Guitar Hero consigue incentivar la ventas de sus discos, o bien consiguen que más de un fans de la canción del vidiojuego se anime a ver en directo al creador del tema que le ha hecho disfrutar en la simulación del Guitar Hero.

Sidecars, Black XS Paco Rabanne, Guitar Hero nos han demostrado que se pueden crear estrategias no convencinales de publicidad a la vez que se crean contenidos culturales. Y es que la publicidad tradicional molesta poero la música nos encanta. Y esto es musicidad.

El concierto fin de gira de Sidecar con la Rock Academy será el próximo mes de enero.

Fuente: http://www.bxsrockacademy.com

Nike transforma en instrumentos musicales sus zapatillas Free Run+

A la botella de cristal de Anis del Mono se ha salido una dura competencia: las Nike Free Run+. Decía Naomi Klein en su ensayo "No logo" (2000) que "el marketing que piensa es cultura". La autora criticaba que la sed de cultura de las marcas no tuviera otro objetivo que multiplicar las ventas. Klein tenía razón y muchas marcas se han dado cuenta de que la publicidad molesta pero la cultura no. Nike Japón se ha encomendado a varios dioses de la creatividad y la tecnología nipona y el resultado es esta pieza musicitaria: un videoclip-spot creado por la agencia W+K Tokio con la colaboración de Daito Manabe y ejecutado por el dúo Hifana.

Nike necesitaba comunicar que sus Free Run+ son las zapatillas más flexibles y adaptables que puedas imaginar y para demostrarlo las ha convertido en instrumentos musicales. Por ello advierte al final de videoclip que las zapatillas que encontrarás en la tienda no producen los sonidos que acabas de escuchar. Pero si tienes dudas de que las Free Run+ suenen te invitamos a difrutar del making of.

El polifacético geek Daito Manabe de Rhinzomatiks ha introducido sensores que convierten a la zapatilla en un controlador de audio. Los DJ Hifana han sido los elegidos para experimentar con las zapatillas y han compuesto este soprendente tema titulado "Nike music shoes". El dúo pertene al sello W+K Lab creado en 2003 por esta agencia de publicidad. Para los creadores de la pieza era fundamental que los DJ Hifana se divertieran realizando música electrónica a través de unos dispositivos difíciles de imaginar. Difrutaron tanto de la experiencia que presumen de ella en su página web, en donde Nike se pubicita sin molestar. 

Dice W+K que su agencia existe para crear enérgicas y provocativas relaciones entre las buenas marcas y sus clientes. Una vez más, comprobamos que a través de la música Nike ha establecido una relación emocional entre sus Free Run+ y los espectadores, ya sean deportistas o no. W+K es una agencia de musicidad, puesto que, abrazando el concepto "Hybrid", proponen crear nuevas experiencias que sólo pueden ser creadas mezclando música, efectos visuales y formas de creación expresivas a través de DVD o CD. 

En la actualidad, la línea que separa la música de la publicidad se ha difuminado dando a paso a agencias que crean sellos discográficos, y a músicos que, buscando promoción, actúan para una marca culturizada. 

Ahora sólo falta saber si Nike ha conseguido establecer con sus clientes esa relación enérgica y provocativa. Al menos esta propuesta, que fue lanzada en Japón en abril de este año, no nos deja indiferentes. 

Liam Gallagher (Oasis) fusiona música y moda con su marca Pretty Green

Liam Gallagher es el protagonista de esta aventura musicitaria. El que fuera cantante de la banda Oasis creó el año pasado Pretty Green, una marca de moda masculina con la que está consiguiendo mantener viva su leyenda de pop star. La historia del pop nos ha dejado numerosos ejemplos de músicos que inician  su carrera en solitario cuando la banda se disuelve (The Beatles, Los Rodríguez,...). Sin embargo, Liam Gallagher ha dado un paso más y, además de seguir cantando, ha creado una firma de moda en la que proyecta su pasión por el pop. 

Imagen: Pretty Green en Londres.

Fuente: http://www.prettygreen.com/

Una firma exclusiva de moda puede ser un interesante negocio si eres el cantante de una banda que ha vendido 70 millones de discos. Oasis, originarios de Manchester, catapultaron el orgullo del brit pop, y esto es algo Gallagher ha querido rentabilizar al margen del negocio de la industria discográfica. Oasis también es sinónimo de polémica y desencuentros entre Liam y Noel Gallagher, componentes principales de la banda y hermanos. Publicaron su último disco en 2008, pero Noel abandonó Oasis por incompatibilidad con su hermano Liam en 2009, según informa Hipersónica.com.

Liam se inspiró en una canción de The Jam para nombrar a su firma de ropa. Son prendas diseñadas por él y de edición limitada, para que las puedas coleccionar como los grandes vinilos de las estrellas del pop y del rock. Su tienda de tres plantas en Carnaby Street de Londres es más que un comercio de moda, es como un templo en el que los melómanos veneran al britpop: grandes imágenes de la pop star, posters, objetos personales, y toda la estética de uno de los líderes más polémicos que nos ha dado el pop en las dos últimas décadas. Su dependiente, vestido y peinado a imagen y semejanza de su majestad Gallagher, recibe sonriendo a los curiosos que trastean unas prendas que son accesibles (un polo 70 libras, un jean 85 libras). Pero la marca ofrece un valor añadido a su ropa, es decir, el local cuenta con programación musical a través de sesiones de DJ's en las que puedes encontrar grandes figuras de pop rock británico, como la actuación que ofreció el pasado viernes el guitarrista Steve Cradock (Ocean Colour Scene). 

Foto: Steve Cradock (Ocean Colour Scene)

Fuente: http://www.prettygreen.com/

 

“La música y la ropa son mi pasión. No estoy aquí para robarle el sitio a nadie y tampoco lo hago por dinero. Lo hago porque no hay nada por ahí que yo me pondría”, explicaba Gallagher en la web de la firma. Así, que Pretty Green es más que una tienda de ropa, es un lugar en el que una persona puede construir y comunciar sus gustos culturales a través de la estética del brit pop. Pero además, es un local en donde se premia el consumo de la experiencia al escuchar música pop con DJ's de excepción. Gallagher ha creado un espacio emocional capaz de superar, a base de pomada musical, esa sensación de fustración que nos invade cuando no encontramos la prenda que buscamos. 

Dance tonight, revolution tomorrow

Dance tonight, revolution tomorrow. Provocadora y estimulante es la imperativa que la firma de moda francesa April77 (una de las más cool del momento) ha elegido para comenzar esta temporada otoño invierno. Si buscas un antídoto contra la melancolía y el síndrome postvacacional, cálzate unos pitillos Joey (Ramone) y sal esta noche a bailar, no hay nada que no  pueda esperar hasta mañana, ni siquiera la revolución. April77 sincroniza la banda sonora de tu vida, porque con cada prenda te llevas descargas de canciones en MP3.

Spot April77 Records

Dance tonight, revolution tomorrow es más que un eslogan, es el título de un disco de la banda de hardcore y punk Orchid. Originaria de Massachusetts, está considerada por la crítica como la pionera del sonido scremo. Sus letras hablan de Michael Focault, Nietzsche, la Escuela de Frankfurt... April77 rescata con esta frase el espíritu crítico de estos pensadores a través de una música no apta para corazones sensibles. Orchid actuó por última vez en 2002, pero su recuerdo ha sido rescatado por April77 para comunicar la simpología de su marca.

April77 es el paradigma de una marca que ha convertido la moda en música y que apuesta por estrategias musicitarias para alcanzar a un público objetivo cuyo universo gira alrededor del rock independiente. Sus pantalones incorporan un pequeño bolsillo con las dimensiones exactas para guardar la pua de la guitarra, pero ante todo su ropa destila punk y rock. La firma cuida la estética hasta la extenuación para conseguir que, con sólo vestir sus prendas, sientas que puedes viajar por el tunel del tiempo para tomarte una cerveza con los grandes iconos del rock.

El alma mater de este proyecto es Birce Partouche, un músico francés que se cansó de girar con su banda y prefirió diseñar ropa. Hoy la marca cuenta con representación en las principales ciudades de la moda. Todas las colecciones están inspiradas en un sub género del rock con los que el diseñador refleja sus gustos musicales. Sus prendas han sido bautizadas con los grandes nombres del rock: los pitillos Joey (Ramone), el polo Manchester... Músicos como Franz Ferdinand, Pete Doherty, The Horrors,... ya se han declarado fans de estas prendas que llevan el camino de convertirse en el uniforme de los rockeros.

Dice Yúdice que "la música es un fenómeno que se experimenta en el cuerpo, que nos lo mueve, y que, al hacerlo, pulsa las cuerdas de nuestros deseos, miedos y asiedades más íntimos, construyendo complejos imaginarios que no se reducen fácilmente a las estadísitcas de los estudios mercadológicos". Pero, si te apasiona el rock, si tus opiniones critican el sistema establecido, si tu espíritu es rebelde, va a ser muy difícil que puedas escaparar a todo este cúmulo de connotaciones. Eso es precisamente lo que busca April77. ¿Te apuntas?

Fuentes:
http://www.april77.fr/
http://www.soitu.es/index.html

Musicidad con Faithless y Fiat, música que anuncia coches y coches que venden música

Faithlees y Fiat acaban crear un excelente ejemplo de producto musicitario. Faitless es un trío británico de música electrónica con el que muchos han creído tocar el cielo con su tema "Insomnia". Han roto con Sony, su discográfica, pero han recibido el flechazo de la marca de automóviles Fiat. De la ruptura surge esta estrategia creada por la agencia publicitaria Krow. Faithless y Fiat presentaron el domingo un spot/videoclip con un exquisito ambiente de clubbing muy atrativo para los amantes de la música electrónica, pero, sobre todo, para todos aquellos que les apteceza el feeling good.

Faithless necesita que sus seguidores escuchen su nuevo trabajo "Feelin' good" y Fiat un spot para promocioar su nuevo Fiat Punto Evo. Y aquí surge una estrategia musicitaria. La agencia independiente Krow ha creado una campaña en la que el producto publicitario es el videoclip de Faithless que tiene como protagonista el Fiat Punto Evo.
Para Siter Bliss, fundadora de Faithless, su banda quiere vender música y Fiat quiere vender coches, según indican las declaraciones recogidas por  Aliado Digital.  Elena Bernadelli, directora de Marketing de Fiat Group Automobiles UK, destacó que en el videoclip es igual de importante la música como el coche, según informa Marketing Magazine.

El videoclip se estrenó el domingo 15 de agosto en UK en una pausa publicitaria de Gran Hermano. Después se extraerá un corte de 30 segundos para ser emitido como un spot convencional. Faithlees consigue aprovechar una oportunidad excepcional para que la audiencia conozca su nuevo sencillo "Feelin' good" que sale a la venta el 26 de septiembre.

Faithless, seducidos por Fiat, han compartido su música para una publicidad culturizada, o lo que es lo mismo, su videoclip es más que música, es musicidad. Como un guiño a la música Fiat ha sacado una edición limitada del Punto Evo que se llama, como no, "Feelin' good".

Este artefacto musicitario me recuerda al spot de Audi y Elvis Presley. Me pregunto si los creativos acabarán comercializando como merchandising los muñequitos protagonistas del videoclip tal y como en su día hizo Audi. Enjoy it!

Musicidad, génesis de un nuevo concepto

Foto:  http://www.april77.fr/

La musicidad es un término que no existía y que acuñé en abril del 2009 para identificar y definir al producto cultural que surge de la unión de la música y la publicidad, es decir, cuando la música funciona como mensaje publicitario; o bien, cuando la publicidad se manifiesta en forma de canciones.